Manuel Alvarez Bravo

Nació en Ciudad de México el 4 de febrero de 1902. Reconocido por plasmar el paisaje y la gente de su país con maestría y originalidad.

Su padre fue un profesor, que de vez en cuando se dedicaba a la fotografía y a la pintura. Álvarez Bravo, antes de dedicarse a la fotografía fue burócrata en varias dependencias, intentó estudiar contaduría, pero en 1915 inició su camino hacia en el quehacer artístico y se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar arte y música.

A pesar de estos estudios, Álvarez Bravo siempre ha sido considerado como autodidacto. Su primera influencia importante en el universo de las imágenes la tuvo en 1923 al conocer al fotógrafo alemán Hugo Brehme, quien lo incitó a comprar su primera cámara. Para 1925 obtuvo su primer premio en un concurso local en Oaxaca. Iniciaba pues, la historia de uno de los padres de la fotografía Mexicana. En el mismo año, contrajo matrimonio con Lola Martínez de Anda, quien años más tarde, asumió la misma profesión.

comentario personal:
un fotografo que en sus tiempos hacía arte moderno, su manera de expresarse artisticamente esta inclinada a lo abstracto, a lo bizarro, dejandonos ver en sus fotos lados opuestos, un fotografo versatil.

Joel peter witkin

Nacido de padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconcialiables diferencias religiosas. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo Mexico en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes.

Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es el Giotto.

Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginalizado como artista en diversas ocasiones.

Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante quien había sido arrancado.

Eugène Atget

Jean Eugène Auguste Atget - 12 febrero 1857, Libourne, Gironda (Francia)- 4 agosto 1927, París - es un fotógrafo francés.

Después de trabajar en diversos oficios como camarero o actor de provincias, se establece en París donde se convierte en fotógrafo ambulante. Para subsistir se dedica a sacar retratos de personas en plena calle; por otro lado, empieza a crear una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX. Monumentos, parques, vendedores, prostitutas o escaparates son algunos de sus temas más recurrentes de una colección que alcanzó más de 4000 imágenes. Tras su muerte, la fotógrafa americana Berenice Abbott, asistenta de Man Ray, adquirió sus negativos. El museo de monumentos históricos de París consiguió 2000 trabajos de Adget en 1927.

Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejaN la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos más artísticos. Al final de su vida, su figura ya era conocida entre escritores y pintores de la época. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las cristaleras, una visión natural y pura que sugiere algo fantasmal. A pesar de esa popularidad en alza murió en la miseria.

En Estados Unidos esta considerado como un maestro de la fotografía, y Francia lo vuelve a descubrir desde los años 80.

La Bibliothèque nationale de France (Paris) da una retrospectiva Atget desde el 27 de marzo hasta el primero de juilio del 2007.

Julia Margaret Cameron

Nace en Garden Reach, Calcuta, como Julia Margaret Pattle, de padre oficial en la Compañía East Indias y descendiente de aristócratas franceses, el 11 de Junio de 1815. Del año 1818 al 1834 se educa en Paris e Inglaterra. En la India conocerá a su marido, Charles Hay Cameron dueño de una gran plantación de té. Él, 20 años mayor que ella, le proporciona una vida más que desahogada. Así en 1848 se mudan a Inglaterra y en 1860 se establecen en la Isla de Wight con los Tennysons como vecinos, a los que fotografiará infinidad de veces. En 1863, su hija la regala una cámara de fotos, Cameron tiene 48 años de edad y aquí comienza su carrera fotográfica. Cameron era una aristócrata ociosa que encaja perfectamente en la sociedad de la Inglaterra victoriana, y en ese contexto tener de hobbie la fotografía era bastante exclusivo. Al año siguiente de su regalo obtiene lo que ella llama "su primer logro, su primera fotografía". Ese mismo año es elegida miembro de la Sociedad Fotográfica de Londres y Escocia

Hace un acuerdo con Colnaghi, que se ocupa de imprimir y vender fotografías y registra sus fotos en el "Fine Arts Registres of the Public Record Office", (entre 1854 y 1875). En 1864 expone en Colnaghi´s de Londres. En 1866 expone en la "Galería Francesa" de Londres y gana la medalla de oro de Berlín.

Se compra otra camara de Placas de 12×15 cm, lente focal de 30 s, trabaja con aperturas abiertas y exposiciones de 3 a 7 minutos. En 1868 expone en la "Galería Alemana de Londres" y Charles Darwin la contrata para que realice sus retratos.

En 1873 muere su hija. Al año siguiente empieza e escribir "Annals of my glass house" y realiza las fotografías para ilustrar las ediciones del poeta Tennyson del libro "Idylls of the king and other poems" con 12 fotografías de Cameron. En 1875 produce la segunda parte del libro de poemas en el mismo formato que el anterior y se muda a Ceylon. Muere en 1879 en este lugar.


SU OBRA
Se cree que Oscar Gustav Rejlander y Lewis Carroll la instruyeron en la fotografía, los dos fotográfos fotografiaron a Cameron, su familia y su casa en la isla de Wight. En 1863 Rejlander fue a la Isla de Wight a fotografiar al vecino Tennyson y parece ser que Cameron aprendió las técnicas básicas de él. También estaba en la Isla C. Jabez Hughes que escribió que "Cuando las mentes busquen expresar ideas morales y belleza religiosa empleasen el arte fotográfico, entonces podrían orgullecerse de este arte e izarlo." Esta visión concuerda totalmente con la forma de ver la fotografía de Cameron. La Literatura, el Renacimiento, la Pintura Pre-Rafaelíta y la Biblia influenciaron su obra. En una carta dirigida a su amigo Sir John Herschel; Cameron le explicó su intención de aliniar la fotografía con el arte, escribió: "mis aspiraciones son ennoblecer la fotografía y alzarla a la categoría de Arte, combinando la realidad con la poesía y la belleza ideal".[1] Creía que la fotografía era la forma para resucitar el arte sacro, para los victorianos el arte era una técnica, el arte fino era expresión pero no necesariamente ético, pero el arte alto era el arte sacro.

Por su posición social y económica, Cameron pudo mantenerse fiel a sus principios esteticos con más tenacidad que otros colegas. Transformó en su casa de campo, el depósito de carbón en cuarto oscuro y el gallinero en estudio.

Cameron repetía las copias una y otra vez, hasta que se sentía satisfecha del resultado. Jamás retocaba o ampliaba sus negativos: sacaba copias de contacto de sus enormes placas húmedas. Trabajaba convertida en una ermitaña de su profesión, descuidada al vestir, sucia en su propio trabajo (sus negativos llevan manchas y huellas dactilares) y apasionada en sus creaciones.

Se trasladó a la Isla de Wight con su familia para vivir cerca de su amigo el poeta Tennyson, allí organizó un verdadero cenáculo literário. La personalidad de Cameron es una mezcla de excentricidad, genio, instinto e inspiración. En sus retratos consigue captar la fuerza expresiva de sus modelos, con tanta maestría como podría hacerlo un pintor. Realizaba exposiciones de 7 segundos en placas de 30x40 cm. Su meta era reproducir la grandeza del hombre interior al mismo tiempo que los rasgos del hombre exterior, lográndolo, como se aprecia en su "retrato del Sir John Herschel". Este es un típico retrato masculino de Cameron, el cuerpo es reducido a casi solo la cabeza, sin ningún tipo de referencia externa, la cabeza se convierte en un icono que implica inteligencia, individualismo y por encima de todo genialidad. En cambio sus retratos femeninos los trata de forma diferente, estas resaltan la belleza, el ideal de belleza del Renacimiento, a veces con ayuda de complementos, como las alas de la fotografía "I Wait" que nos evocan a las pinturas de ángeles del Renacimiento.

Una de sus preocupaciones era realizar obras genuinas, captar la belleza ideal que emana del rostro de sus modelos. Sus retratos de primeros planos son en realidad primerísimos planos tal vez con una intención metafísica. Se ve en estos retratos de Cameron una clara influencia de una corriente de pensamiento muy de moda en la Inglaterra de la época que es la frenología, que sostiene que la inteligencia y el carácter de la persona está marcado en la forma de la cabeza, parece que en ello incide la obsesión por analizar los rostros, pero su intención última es profundizar hacia el interior.

Cameron también cultivó la fotografía alegórica academicista con obras como El beso de la paz de 1859, Ruega por nosotros, alegoría de la anunciación para el Ave María, o El aroma de los lirios, entre otras. Es esta producción la que le lleva a ser integrada en la corriente de la fotografía academicista.

TECNICA

os retratos de Cameron tienen un aspecto flou muy peculiar,Se cree que por azar descubrió una combinación de elementos técnicos que le dieron como resultado la falta de nitidez, lo que se convierte en su sello artístico, la búsqueda del efecto flou -un cierto desenfoque con intención. Es este aspecto flou lo que le da el caracter poetico a sus fotografías. De ahí que sea considerada uno de los antecedentes del pictorialismo fotográfico de finales del siglo XIX.

Sus fotografías tienen algo de religioso, de pictorialismo cristiano, como las pinturas de Rafael. La historia sagrada se funde con la poesía, como en las fotografías de sus "Madonnas", que transmiten la pureza, el niño dormiendo mientras su madre cuida...

Despreciaba la técnica y por ello utilizaba objetivos inadecuados para las placas utilizadas. Le era indiferente que las placas resultaran manchadas, arañadas. Con todo ello pretendía la obtención de unos efectos que alejaran la realidad de las imágenes captadas. Las fotografías estaban realizadas con un objetivo que no cubría el formato de las placas húmedas utilizadas por ella (20x25 y 30x40 cm) y estaban descuidadas, con las placas manchadas o arañadas; por ello los miembros de la "London Photographic Society" no la admitieron entre ellos. Los fotógrafos la criticaban porque consideraban la calidad de sus fotografías malas, ya que no aprovechaba las ventajas técnicas de la camara, como la nitided, pero para ella primaba antes lo estético a lo técnico, buscaba más la expresión poética que la realista, expresión que conseguía sin duda y por la que ha pasado a la historia de la fotografía.

Rechazaba la idea de que la cámara era un objeto para documentar en vez de para crear arte

Funcion de una camara reflex

La cámara y sus partes

Cada cámara, reducida a sus componentes más básicos, es simplemente una caja con una apertura con un fin de admitir luz y un dispositivo al fin de retener película. La forma del cuerpo y los aspectos activos, sin embargo, varían con tipos diferentes de cámaras.

A excepción de las cámaras de agujero (pinhole), todas las cámaras modernas tienen una lente montada sobre el hoyo por donde penetra la luz, cuyo fin es tomar cuadros lo más intensamente posible con menos luz. Un dispositivo mecánico llamado contraventana controla la cantidad de tiempo que la luz se admite en la cámara. Algunos obturadores son operadas a resorte; otros se regulan electrónicamente. El disparador del obturador es una palanca, o botón de estímulo que activa la misma.

Todas las cámaras tienen algún tipo de sistema de inspección u ocular: un sistema para el fotógrafo, para que pueda ver el campo de vista planeada por la lente. Hay tres tipos principales de oculares: el visor, lente de reflejo simple, y lente de reflejo doble. El más simple y más fácil de operar es el visor y el lente simple pequeño de las cámaras reflex. El visor es comúnmente un sistema simple de lente; iluminado desde el objeto y pasando mediante un visor al ojo y mediante una lente diferente a la película. El lente simple de las cámaras reflex tiene sistemas separados de visor e impresionador de película. Durante el encuadre, un espejo refleja la luz ascendente que entra en la cámara y mediante un prisma que vuelve la imagen al derecho. Cuando se toma un cuadro, los espejo se mueven hasta permiten que la luz impacte la película. El lente doble de las cámaras reflex posee dos espejos y dos de lentes, uno es el visor y el otro es para crear la imagen sobre la película. Las lentes se acoplan mecánicamente para estar en el foco simultáneamente.
El propósito del avance de película es desenrollar la película. A cada área individual de cuadro se la denomina marco. Dependiendo de la cámara, la película puede ser avanzada a mano, por un enrollador eléctrico, o por la cámara automáticamente después de cada exposición.
Las Lentes de Cámara

El propósito de una lente de cámara está transmitir rayos de luz en la cámara y los enfocarlos para formar una imagen intensa sobre la película. Con las cámaras más simples no se requiere ningún ajuste de enfoque manual. Todos los objetos, desde unos pies en la frente de la cámara a una gran distancia, se registrarán en una imagen razonablemente intensa. Las cámaras más avanzadas, sin embargo, tienen un control de enfoque que ajusta la lente para que los objetos a una distancia dada desde la cámara estén en el foco en la película.

Con algunas cámaras los focos se toman simplemente por estimación del fotógrafo de la distancia al objeto y colocando el enfoque en una escala en la cámara marcada en números o distancias. Con cámaras de telémetro el fotógrafo ajusta una aguja que se encuentra en la parte de arriba con respecto a otras dos fuera del objeto. Con cámaras reflex la lente se ajusta hasta que la imagen sobre la pantalla del ocular aparezca en el foco con respecto a un pequeño círculo.

Algunas cámaras se equipan con un sistema de microchip, que enfoca utilizando señales ópticas, infrarrojas, o ultrasónicas. El fotógrafo activa el sistema al poner una leve presión sobre el disparador, y centrar el objeto mediante el ocular. El sistema de la cámara mide la distancia al objeto y automáticamente ajusta consiguientemente la lente.
Tipos y propiedades de lentes.

El tipo más simple de lente es el menisco, un simple pedazo curvado de vidrio óptico o plástico moldeado. Todas las lentes sufren de aberraciones, o imperfecciones. Estas pueden ser su alcance y nitidez de imagen. La calidad mejora apreciablemente, al montar dos o más elementos de lente individuales como una unidad. Las lentes más complejas pueden tener una docena o más de tales elementos. En la mayoría de las lentes de buena calidad, estos elementos se revisten con una capa delgada del fluoruro de magnesio o alguna otra sustancia para reducir reflejos internos.

lente

Las lentes tienen longitudes focales fijas. La longitud focal de una lente es la distancia desde el centro óptico de la lente al plano (en este caso, la película) detrás de la cual la imagen se forma más intensamente cuando la lente se enfoca en un objeto distante. Un objeto distante se dice que esta en el infinito. La longitud focal de una lente se da a veces en pulgadas, pero usualmente se da en milímetros (mm) o centímetros (cm).

Para el trabajo fotográfico ordinario, las cámaras se equipan con una lente de longitud focal de "norma" o "normal" . Esta longitud es aproximadamente el valor de la diagonal del marco de la película. Las lentes normales no equiparan comúnmente a la diagonal de la película exactamente. Por ejemplo, en la diagonal de una norma 35 - mm el marco del negativo es 43.2 mm, pero las lentes con una longitud focal desde 38 mm a 58 mm son normales para este formato.

Algunas cámaras, incluyendo las 35 - mm tienen lentes intercambiables, las cámaras reflex (SLRS), permiten al fotógrafo cambiar las lentes. Aunque una lente de longitud focal normal puede llegar a ser satisfactoria en muchos casos, hay ocasiones en las que una lente de longitud focal más corta o más larga puede ser deseable.

Una lente que tiene una longitud focal considerablemente más corta que el de una lente normal se llama un objetivo gran angular. Provee una imagen menor del objeto pero cubre un campo de vista más amplio. Se usa frecuentemente cuando el fotógrafo quiere incluir más de la escena original en el cuadro pero es incapaz de ir más lejos del objeto, como, por ejemplo, cuando tomando un cuadro en una sala pequeña. Un objetivo gran angular puede dar también un cuadro con un efecto de perspectiva exagerada y de gran profundidad. Para cámaras de 35 - mm, los objetivos gran angular se encuentran disponibles con longitudes focales que van desde 35 mm a 15 mm.

Las lentes con una longitud focal que es considerablemente más larga que la normal se llaman de foco largo u objetivos de acercamiento (teleobjetivos). Técnicamente estos no son idénticos. Las lentes de foco largo son abultadas; los objetivos de acercamiento se construyen para ser más compactas. En la práctica, sin embargo, las lentes de foco largo de todos los tipos son indiscriminadamente llamadas telefoto. Tales lentes proveen una imagen más grande del objeto pero cubren un campo más estrecho de visión de lo que lo hacen las lentes de longitud focal más corta. Los objetivos de acercamiento pueden usarse para magnificar un objeto distante, por esto se usan frecuentemente en la fotografía de fauna silvestre. En el retrato, un objetivo de acercamiento intermedio puede minimizar distorsión de perspectiva, y en la fotografía de paisaje un objetivo de acercamiento puede aplanar una escena para lograr un efecto más bidimensional.

Con una lente convencional la longitud focal es fija, pero una lente de zoom provee al fotógrafo una gama continua de longitudes focales. Hay zoom de ángulo ancho, zoom telefoto, y zooms versátiles que pasan de ángulos anchos, longitudes focales normales, y la gama del telefoto.

Las macro y micro lentes estan especialmente diseñadas para tomar fotografías de aproximación de objetos. Las lentes ojo pescado son ultra anchas, son lentes angulares que dan una imagen de la escena deformada como si se encontrase en una "pecera".
La apertura de la lente.

Las cámaras ajustables se equipan con un diafragma de iris, un dispositivo ubicado en, o cerca la lente que consiste en una superposición de láminas delgadas que se pliegan juntas para crear un hoyo de tamaño continuamente variable. De esta manera la apertura, puede ajustarse para admitir más o menos luz según se requiera. El diafragma se marca comúnmente con una serie de símbolos llamados paradas, que son designadas por números-f (f-numbers), tal como f/5.6 o f/8. Los números-f expresan la relación entre longitud focal y la apertura. Un número más grande indica una menor apertura.

"Parar" o "cerrar una parada" es colocar el control de diafragma en la subsiguiente marca de parada de menor apertura, por ejemplo desde f/4 a f/5.6, o desde f/8 a f/11. Esto reduce la cantidad de luz admitida a la mitad.

"Abrir una parada" significa colocar el controlador del diafragma en la subsiguiente apertura más amplia: f/11 a f/8, o f/8 a f/5.6, por ejemplo. Esto duplica la cantidad de luz admitida.
La profundidad de campo.

La apertura de la lente no solamente controla la cantidad de luz que entra en la cámara, también afecta otro aspecto fundamental de la profundidad de fotografía de campo. La profundidad de campo es el rango en frente y detrás del enfoque objeto que incidirá en de los detalles que quedaran en la imagen final. Depende de la apertura de lente, la distancia enfocada, y la longitud focal de la lente. Una apertura pequeña de lente, una distancia grande entre la cámara y el objeto, y una longitud focal corta da como resultado una mayor profundidad de campo.

A veces los fotógrafos quieren tanta profundidad de campo como sea posible a fin del registrar objetos severamente claros desde las cercanías hasta la infinidad. En este caso se fijaría la apertura práctica más pequeña. En otras circunstancias se podría preferir una profundidad somera de campo para hacer que un objeto permanezca enfocado mientras el resto se encuentran sin definición y suaves. En este caso se usaría una apertura de lente amplia.
El obturador

El propósito del obturador es regular la extensión de tiempo que la luz penetra en la cámara durante una exposición. Las contraventanas vienen en diversos formatos.
Tipos de obturadores.

Un tipo básico de obturador que se encuentra en muchas cámaras simples de 35 mm se compone de láminas de superposición y se ubica entre los anteriores elementos detrás de la lente. Las láminas abren y cierran para admitir luz. Esta se llamar una hoja de entre lente o de contraventana. Un segundo tipo, se encuentra en cámaras de 35 mm de lentes intercambiables, es el obturador focal suspendido, ubicado en el dorso de la cámara simplemente en frente de la película. En este tipo de obturador, dos persianas opacas, o cortinas, barren el frente de la película. Las cortinas se ajustan para crear tajos de diversos anchos.

La mayoría de las cámaras proveen un método de velocidad regulable de obturador, por medios mecánicos o electrónicos. Las velocidades de obturador pueden oscilar desde un segundo a tan poco como 1/4.000 de un segundo. Una gama promedio de escala velocidad de obturador para una cámara 35 mm SLR podría ser tal como se como se indica a continuación: 1, 1/2, 1/4, 1/8, 1/15, 1/30, 1/60, 1/125, 1/500, 1/1,000. Note que cada marca es aproximadamente el doble de rápida que la anterior y la mitad de rápida que la siguiente.

Muchas cámaras también tienen o una T (para el tiempo) o B (para la bombilla o el memorial), que permite al fotógrafo hacer exposiciones más largas de las que son provistas por la escala del obturador. Este aspecto es útil para tomar fotografías en la oscuridad y crear efectos especiales. Muchas cámaras se equipan también con un cronómetro. Los fotógrafos pueden poner la cámara sobre un trípode u otro apoyo, activar el cronómetro, el cual da varios segundos para ponerse a sí mismos en el cuadro antes que el obturador se active.
Velocidad y movimiento del obturador.

La velocidad del obturador determina cuan efectivamente un objeto móvil puede ser "parado" esto es, cuan correctamente puede reproducirse sin entorpecer o distorsionar la imagen final. Con una velocidad de obturador rápida, el obturador se abre brevemente y el objeto móvil tiene poco tiempo para cambiar su posición antes de la exposición sea completa. Por otra parte con una velocidad de obturador lenta, el obturador queda abierta un tiempo relativamente largo. Así con una velocidad de obturador más rápida, un objeto móvil aparecerá más definido sobre la imagen final, con una velocidad de obturador más lenta, el objeto aparecerá más borroso.

Este principio también se mantiene para el movimiento de cámara. Con una velocidad de obturador más rápida, será menos perceptible cualquier sacudida de la cámara en la fotografía final. Esta es particularmente conveniente cuando se esta sosteniendo una cámara mientras se esta tomando un cuadro con un objetivo de acercamiento. La lente magnifica el efecto de movimiento de la cámara, si la cámara se mueve ligeramente cuando el cuadro se esta tomando, la imagen final aparecerá borrosa. Para evitar esto, muchos fotógrafos seleccionan una velocidad de obturador más lenta que 1/125 de segundo para tomar fotografías con la cámara en la mano, aunque algunos fotógrafos tienen éxito con una velocidad de 1/60 o 1/30 de segundo.

El obturador de la cámara debe parar la velocidad evidente del objeto o la velocidad a que su imagen mueve a través de la película, sin considerar el movimiento real de objeto mediante el espacio. Factores tales como la distancia, dirección de movimiento, y la longitud focal de la lente debe se tomados en consideración. Generalmente, el objeto móvil más cercano está en las cámaras, aumentando su movimiento. Así, si se desea conseguir una imagen nítida, la mayoría de los fotógrafos evitan un acercamiento extremo de los objetos en movimiento.

En las imágenes en movimiento, la longitud focal también juega un papel importante en la imagen final. Una lente con una longitud focal larga magnificará la imagen y su movimiento aparente. El movimiento aparente es más grande cuando el objeto mueve en ángulos rectos a través de la línea de visión, y es menor cuando el objeto mueve directamente hacia la cámara o se aleja de ella. La mayoría de las veces los fotógrafos desean de parar todos de movimiento para una imagen clara y nítida. Sin embargo, a veces, usan velocidades de obturador más lentas para producir una expresión de movimiento.

fuente : www.textoscientificos.com/fotografia/camara

Como tomarle una foto a la luna

con una abertura de diafragma en F22 y a una velocidad de 1/4, con una cámara reflex y disparando 4 veces seguidas con el flash.

O también se puede obtener una fotografía de la luna, viendo con el lente de la cámara a través de un telescopio que apunte a la luna.

Misha Gordin

Misha Gordin nace en Rusia en 1946. En 1974 tras años de descontentos con las autoridades comunistas, deja Rusia para irse a Estados Unidos. Misha Gordin basa su trabajo fotográfico en el concepto, su obra es básicamente una obra conceptual que requiere un laborioso proceso desde la imagen inicial a la imagen final. Se parte de una idea, a continuación, un dibujo, montaje de los componentes, los disparos y el estudio de los materiales, seguida por la meticulosa labor cuarto del oscuro. Es por lo tanto un trabajo artesanal que le llega a ocupar horas, días e incluso semanas con algunas de sus obras

Comentrio personal
el cuerpo humano como elemento base de su fotografía, usa mucho las secuencias y lo repetitivo, el blanco y negro le da un toque de seriedad y lo hace mas estetico, simples, estilizadas ,d e igual manera manipula la imagen. pero es simplemente bella

Carlos Jurado

Nace en 1927 en el estado de Chiapas.En 1973 inicia se actividad fotográfica y ocupa cargos de dirección en la Universidad Veracruzana , donde establece, por primera vez en México la carrera de Fotografía a nivel de Licenciatura..Actualmente trabaja de manera independiente en su taller.Carlos Jurado considera la fotografía como el producto de un acto mágico. Trabaja principalmente con cámaras estenopeicas (pinhole). Con este sistema trata de obtener anbientes y atmósferas sugerentes poco comunes.a realizado también obras utilizando sistemas antiguos como la goma bicromatada, la cianotipia, papel sepia ,etc. Carlos Jurado construye sus propias cámaras, así como algunos equipos necesarios para su producción.

Comentario personal
iluminacion que te lleva a otros espacios, a otros tiempos, creando una atmosfera bizarra, haciendo de su fotografia algo unico.