Elliott Erwitt

El fotógrafo estadounidense de origen europeo Elliott Erwitt (París, 1928), miembro de la prestigiosa y legendaria agencia Magnum desde 1953, es uno de los clásicos vivos del fotoperiodismo. Muchísimas personas conocen sus imágenes, sin saber siquiera que Erwitt es el autor, como les ocurre a ciertos artistas verdaderamente grandes, cuya obra es patrimonio de todo el mundo. Cuando Erwitt fue invitado por Robert Capa, con quien había compartido estudio en París unos años antes, a integrarse en la agencia que el mítico autor de alguna de las más emblemáticas fotografías de la guerra civil española había fundado en esa misma ciudad en 1947, Erwitt era ya un fotógrafo con un estilo personalísimo, que había ganado en 1951 el premio de la revista Life y que, al año siguiente, en 1952, había hecho algunas fotografías inolvidables en un corto viaje a España, como esa increíble imagen de una pareja de jóvenes enamorados bailando en una cocina de una casa de Valencia y aquella extraordinaria, una absoluta obra © Elliott Erwitt. " Valencia, 1952 ". maestra, que hace en Barcelona a un chaval montado en el enganche trasero de un tranvía, arquetipo de la miseria durante la posguerra en la que había sido capital espiritual del movimiento obrero, y que es una imagen aún más cargada de sugerencias por el contraste entre la tristeza, la seriedad digna de la pobreza, y la anodina e insulsa felicidad de la pareja montada en el tranvía que se transparenta a través del cristal.

Elliott Erwitt, si bien se ha mantenido siempre fiel a la fotografía documental y al fotoperiodismo característicos de la Magnum, ofrece dos rasgos inconfundibles: la inclusión de elementos autobiográficos en sus imágenes y la sutil ironía, el fino humor de muchas de sus composiciones. Pero su auténtica altura en el panorama de la fotografía mundial se sustenta, por un lado, en obras que han asimilado con enorme originalidad la lección de Atget y la del «instante decisivo» de Cartier-Bresson, y, por otro, en obras que revelan una honda preocupación social y política, aunque observando la realidad con serena objetividad, lo que no significa, sino todo lo contrario, que sus imágenes sean neutras o frías. Él mismo reconoce que la mayoría de estas fotografías son espontáneas, sin idea alguna preconcebida. Entre las más memorables de esta completísima retrospectiva que arranca en 1946 y llega hasta 2001, todas en blanco y negro, deberían citarse la de los coches circulando por la Quinta Avenida de Nueva York, con una soberbia composición en diagonal (1947); el encuentro de «miradas» entre una transeúnte y un maniquí de un escaparate en una calle de una remota localidad de Carolina del Norte (1950); la fría mañana de un bulevar parisino capturado en 1952, un prodigio de masas y espacios abiertos; la figura de Eric Ambler en una lluviosa calle del Londres de la «guerra fría»; o la del chico junto a un camión en el Moscú de 1957, quintaesencia de una sociedad carente de libertad.

ACONTINUACION PODRAN APRECIAR UNO DE SUS TRABAJOS CON EL GRUPO "RADIO HEAD" EN DONDE EL REALIZO LA FOTOGRFIA DE ESTE VIDEO

STREET SPIRIT

Carrol Lewis

Charles Lutwidge Dodgson era el nombre verdadero del autor de las "Aventuras de Alicia en el País de las Maravillas" (Alice's Adventures in Wonderland), y de "A través del Espejo" (Through the Looking Glass). Nacido en Daresbury, Inglaterra, era el mayor de 11 hijos: cuatro varones y siete niñas. A los 18 años, ingresó en la Universidad de Oxford, en la que permaneció durante cerca de 50 años, y en la que obtuvo el grado de bachiller y se recibió de preceptor. Fue ordenado diácono de la Iglesia Anglicana y enseñó Matemáticas a tres generaciones de jóvenes estudiantes de Oxford, y lo que es más importante, escribió dos de las más deliciosas narraciones que se han producido en el campo de la literatura.

Poco es lo que hay que decir, aparte de estos hechos, acerca de la vida del Reverendo Dodgson. Vivió 66 años tan tranquilamente como puede hacerlo cualquier otro hombre, y el trabajo y ocupación de su vida, así como su diversión favorita, fueron las Matemáticas. Padeció, de insomnios durante toda su existencia, y pasaba noches enteras despierto, con los arduos problemas matemáticos dando vueltas en su cabeza, y tratando de descifrarlos. Escribió diversos libros sobre la materia y el más interesante de ellos se titula: Euclides y sus modernos rivales.

Sus cuentos vieron la luz con el seudónimo Lewis Carroll. Quizá la razón de esto fuera su extraordinaria timidez ante las gentes, es decir, ante los adultos. Tenía pocos amigos en la plenitud de su desarrollo y crecimiento, y como era tímido, se retrajo de los adultos y creó sus amistades entre los niños, especialmente entre las niñas pequeñas; los comprendía perfectamente y era su natural y delicioso compañero. Fácilmente tomaba parte en sus juegos; inventaba siempre algunos nuevos y les contaba cuentos e historias.

La Alicia real y verdadera era la hija de su amigo el diácono Liddell, la cual, mucho más tarde, relató cómo esos cuentos caprichosos que aún deleitan a los lectores de todas las edades y de todos los países les fueron referidos a ella y a sus dos hermanas: "Muchos de los cuentos del Sr. Dodgson nos fueron contados en nuestras excursiones por el río, cerca de Oxford. Me parece que el principio de "Alicia" nos fue relatado en una tarde de verano en la que el sol era tan ardiente, que habíamos desembarcado en unas praderas situadas corriente abajo del río y habíamos abandonado el bote para refugiarnos a la sombra de un almiar recientemente formado. Allí, las tres repetimos nuestra vieja solicitud: cuentenos una historia, y así comenzó su relato, siempre delicioso. Algunas veces para mortificarnos o porque realmente estaba cansado, el Sr. Dodgson se detenía repentinamente diciéndonos: esto es todo, hasta la próxima vez; ¡ah, pero ésta es la próxima vez!, exclamábamos las tres al mismo tiempo, y después de varias tentativas para persuadirlo, la narración se reanudaba nuevamente".

Alice se publicó en 1864, y A través del espejo, en 1871. Ambas fueron ilustradas por el famoso dibujante inglés John Tenniel. Estos libros han sido posteriormente ilustrados por otros muchos artistas, pero los magníficos dibujos de Tenniel continúan siendo los favoritos. Otras publicaciones de Lewis Carroll son: La caza del Snark (The Hunting of the Snark) (1876) y el cuento poco leído Silvia y Bruno 1889 y 1893.

comentario personal
lewis creador de alicia en el pais de las maravillas un extraordinario cuento,pero no para niños, con un contendio fuerte si lo analizas bien, de igual manera sus fotos, a carrol se le acusaba de pedofilia y sus fotos son de niños en poses de adultos.

Cindy Sherman

Artista estadounidense. Estudia arte en el Buffalo State College de Nueva York entre 1972 y 1976, dedicando una especial atención a la fotografía. Hasta 1986 realiza únicamente autorretratos fotográficos con los que intenta parodiar el tema de la mujer estereotipada: situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras en color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa, desatándose el horror y la repulsión a finales de los ochenta. Sus formas cercanas y sus mensajes irónicos, asimilan la tiranía visual propia de la televisión, la publicidad y las revistas, guardando así cierta semejanza con el trabajo de Longo y Prince. El paso a un formato cada vez más grande va en paralelo a la fragmentación de la representación de la figura de Sherman como protagonista, tendiendo algunos de sus temas a la violecia, la crítica política o el erotismo. Tanto el MoMA como la Tate Modern de Londres, poseen un amplio repertorio de su obra.

comentario personal
feminsta retrata a la mujer "ideal" de una manera muy cruda, imagenes que pintan dulcura pero a la vez miedo, un fabuloso trabajo en dondemaneja la dulcura-maldad.

Misha Gordin

Misha Gordin nace en Rusia en 1946. En 1974 tras años de descontentos con las autoridades comunistas, deja Rusia para irse a Estados Unidos. Misha Gordin basa su trabajo fotográfico en el concepto, su obra es básicamente una obra conceptual que requiere un laborioso proceso desde la imagen inicial a la imagen final. Se parte de una idea, a continuación, un dibujo, montaje de los componentes, los disparos y el estudio de los materiales, seguida por la meticulosa labor cuarto del oscuro. Es por lo tanto un trabajo artesanal que le llega a ocupar horas, días e incluso semanas con algunas de sus obras

Comentrio personal
el cuerpo humano como elemento base de su fotografía, usa mucho las secuencias y lo repetitivo, el blanco y negro le da un toque de elegancia y

Felix nadar

Nació en 1820 en Lyón y falleció en París en 1910, estudió medicina en su ciudad natal. En 1842 debido a la quiebra de la empresa de impresión de su padre, se trasladó a París ganándose la vida como periodista y caricaturista.Estuvo siempre muy interesado por las ideas más avanzadas de su tiempo en política, literatura, ciencias... y fue un conductor de la libertad de expresión.Nadar demostró, mejor que cualquier otro fotógrafo de su época, que la fotografía es algo muy distinto al simple producto de una técnica.

Nadar hacía retratos como lo haría un pintor pero con un medio nuevo.
A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1856 realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático.
También fue el primer fotógrafo en realizar fotografías con luz artificial consiguiendo captar imágenes de las catacumbas de París.

comentario personal
una aficion por la fotografía aerea, el reflejo de libertad, armonia, adrenalina, es lo qe refleja en esas fotografías, también existen retratos de personalidades de paris, bellas sencillas dandoles un toque de curiosidad.

Olivero Toscani

Oliviero Toscani (n. 1942, Milán) es un fotógrafo italiano, reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990.


Estudió fotografía en Zúrich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, Toscani trabajó para Benetton, contribuyendo al crecimiento de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente.

Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital. En 1990, Toscani fundó la revista Colors (propiedad de Benetton), junto con el diseñador gráfico Tibor Kalman. Bajo el lema "una revista sobre el resto del mundo", Colors explotaba el multiculturalismo prevalente en la época, así como a las campañas publicitarias de Benetton. La línea editorial era independiente de la marca de ropa. En 1993, Toscani creó Fabrica, un centro de investigación sobre el arte en la comunicación; y encargó el diseño al arquitecto japonés Tadao Ando.

En 2005, Toscani levantó polémicas nuevamente, cuando hizo fotografías para la campaña publicitaria de la marca de ropa masculina "Ra-Re". Los retratos aludían al homosexualismo masculino, de un modo que enardeció a diversos grupos que debatían los derechos homosexuales.


Además de trabajar con Benetton, Toscani ha sido el diseñador de campañas publicitarias para Esprit, Valentino, Chanel y Fiorucci. Las campañas de Toscani han ganado cuatro veces el premio Lion d'Or en el Festival de Cannes. Personalmente, Toscani ha recibido, entre otros premios, el UNESCO Grand Prix, y dos veces el premio Grand Prix d'Affichage. Ha tenido exposiciones individuales, en orden cronológico, en las ciudades de Venecia, Sao Paulo, Milan, ciudad de México, Helsinki, Roma y otras catorce ciudades.

comentario personal:
fotografo publicitario que refleja su rechazo ante el racismo, utilizando la publicidad como medio para trasmitir su inconformidad, fotos en blanco y negro, muy humanas, sencillas pero a la vez muy fuertes, ya que son claras.

David Nebreda

Vida

Licenciado en Bellas Artes. A los 19 años los médicos le diagnosticaron esquizofrenia. Vive encerrado en un piso de Madrid con apenas dos habitaciones donde ha realizado la totalidad de su obra fotográfica, sin tomar medicación, sin comunicación con el exterior, sin radio, prensa, libros ni televisión. Vegetariano desde los 20 años, practica la abstinencia sexual, y se somete a severos ayunos que le mantinen un estado de delgadez extrema.

Obra

Sus imágenes llegaron a las manos del galerista Renos Xippas quien le dedicó una exposición en su galería de París, fue allí donde Léo Scheer descubrió su obra, impresionado por su fuerza decidió hacerse editor para poder divulgar su obra. Ha publicado ya dos libros de fotos. Autodidacta dentro de la fotografía, sorprende por su sabia utilización de la técnica, el dominio de la luz y los claroscuros de sus fotografías, no manipula el positivado aunque si utiliza la doble exposición.

Su obra es casi desconocida en España, en Francia ha sido promocionada por gente de la categoría del antes citado Léo Sheer, filósofo crítico y uno de los promotores de Canal + Francia, e incluso ha sido objeto de un artículo de Jean Baudrillard.

El único referente cercano a su obra puede ser la del artista Joel-Peter Witkin, aunque el busca sus modelos en personas ajenas o en cadáveres, no como Nebreda que basa todo su trabajo en su propia persona.

comentario personal.
Probablemente uno de los artistas que más pueden atraer a la hora de leer su biografía: David Nebreda.
Quizás viendo las imágenes que plasma nos pensemos que es un loco más que intenta llamar la atención. Pero estamos equivocados.

David Nebreda es esquizofrénico paranoide. 20 años encerrado en casa, bajo torturas autoinflingidas fotografiadas para mostrar lo más siniestro, lo más grotesco. Masoquismo, mutilaciones, extrema delgadez, las fotografía para "salir" de su propia realidad…

Henri Carter Bresson

Henri Cartier-Bresson (22 de agosto 1908 - 2 de agosto 2004) fue un célebre fotógrafo francés considerado por muchos el padre del fotorreportaje. Predicó siempre con la idea de atrapar el instante decisivo, versión traducida de sus "images a la sauvette", que vienen a significar con más precisión "imágenes a hurtadillas". Se trataba, pues, de poner la cabeza, el ojo y el corazón en el mismo momento en el que se desarrolla el clímax de una acción.

A lo largo de su carrera, tuvo la oportunidad de retratar a personajes de la talla de Pablo Picasso, Henri Matisse, Marie Curie, Edith Piaf, Fidel Castro y Ernesto Guevara. También cubrió importantes eventos, como la muerte de Gandhi, la Guerra Civil Española, donde filmó el documental sobre el bando republicano "Victorie de la vie", la SGM, en la que estuvo en la Unidad de Cine y Fotografía del ejército galo o la entrada triunfal de Mao Zedong a Pekín. Cartier-Bresson fue el primer periodista occidental que pudo visitar la Unión Soviética tras la muerte de José Stalin.

Su obra fue expuesta, en el museo del Louvre, en París, en 1955.

Fue cofundador de la agencia Magnum.

Junto a su esposa, la también fotógrafa Martine Frank, creó en el año 2000 una fundación encargada de reunir sus mejores obras, situada en el barrio parisino de Montparnasse. Falleció el 2 de agosto de 2004 en Cereste, al suroeste de Francia.

En 2003, Heinz Bütler dirigió la película suiza Henri Cartier-Bresson - Biographie eines Blicks, documental biográfico interpretado por el propio Cartier-Bresson además de Isabelle Huppert, entre otros.

Para algunos, Cartier-Bresson es una figura mítica en la fotografía del siglo XX. Uno de sus mejores biógrafos (Pierre Assouline) lo apelaría como « el ojo del siglo


Comentario personal
fotografo simple, que utiliza el blanco y negro como base fundamental de sus fotografías haciendo que estas se vean antiguas retratando lo simple y sensillo de la vida, momentos de la vida cotidiana, tranportandote a esa epoca que imprime en las fotografías.

Manuel Alvarez Bravo

Nació en Ciudad de México el 4 de febrero de 1902. Reconocido por plasmar el paisaje y la gente de su país con maestría y originalidad.

Su padre fue un profesor, que de vez en cuando se dedicaba a la fotografía y a la pintura. Álvarez Bravo, antes de dedicarse a la fotografía fue burócrata en varias dependencias, intentó estudiar contaduría, pero en 1915 inició su camino hacia en el quehacer artístico y se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar arte y música.

A pesar de estos estudios, Álvarez Bravo siempre ha sido considerado como autodidacto. Su primera influencia importante en el universo de las imágenes la tuvo en 1923 al conocer al fotógrafo alemán Hugo Brehme, quien lo incitó a comprar su primera cámara. Para 1925 obtuvo su primer premio en un concurso local en Oaxaca. Iniciaba pues, la historia de uno de los padres de la fotografía Mexicana. En el mismo año, contrajo matrimonio con Lola Martínez de Anda, quien años más tarde, asumió la misma profesión.

comentario personal:
un fotografo que en sus tiempos hacía arte moderno, su manera de expresarse artisticamente esta inclinada a lo abstracto, a lo bizarro, dejandonos ver en sus fotos lados opuestos, un fotografo versatil.

Joel peter witkin

Nacido de padre judío y madre católica, sus padres se divorciaron cuando era joven debido a sus irreconcialiables diferencias religiosas. Trabajó como fotógrafo de guerra entre 1961 y 1964 en la Guerra de Vietnam. En 1967 decidió trabajar como fotógrafo freelance y se convirtió en el fotógrafo oficial de City Walls Inc. Estudió después escultura en la Cooper School Of Fine Arts de Brooklyn donde consiguió un título en artes en 1974. Después de que la Universidad de Columbia le concediera una beca terminó sus estudios en la Universidad de Nuevo Mexico en Albuquerque donde consiguió su Master en Bellas Artes.

Según el propio Witkin su particular visión y sensibilidad provienen de un episodio que presenció siendo pequeño, un accidente automovilístico en el que una niña resultó decapitada. También cita las dificultades en su familia como una influencia. Su artista favorito y gran influencia es el Giotto.

Sus fotos suelen involucrar temas y cosas tales como muerte, sexo, cadáveres (o partes de ellos) y personas marginales como enanos, transexuales, hermafroditas o gente con deformaciones físicas. Sus complejos tableauxs a menudo evocan pasajes bíblicos o pinturas famosas. Esta naturaleza transgresora de su arte ha consternado a la opinión pública en repetidas ocasiones y ha provocado que lo acusen de explotador y que haya sido marginalizado como artista en diversas ocasiones.

Su acercamiento al proceso físico de la fotografía es altamente intuitivo que incluye manchar o rayar el negativo y una técnica de impresión con las manos en los químicos. Esta experimentación comenzó luego de ver un ambrotipo del siglo XIX de una mujer y su amante quien había sido arrancado.

Eugène Atget

Jean Eugène Auguste Atget - 12 febrero 1857, Libourne, Gironda (Francia)- 4 agosto 1927, París - es un fotógrafo francés.

Después de trabajar en diversos oficios como camarero o actor de provincias, se establece en París donde se convierte en fotógrafo ambulante. Para subsistir se dedica a sacar retratos de personas en plena calle; por otro lado, empieza a crear una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX. Monumentos, parques, vendedores, prostitutas o escaparates son algunos de sus temas más recurrentes de una colección que alcanzó más de 4000 imágenes. Tras su muerte, la fotógrafa americana Berenice Abbott, asistenta de Man Ray, adquirió sus negativos. El museo de monumentos históricos de París consiguió 2000 trabajos de Adget en 1927.

Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejaN la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos más artísticos. Al final de su vida, su figura ya era conocida entre escritores y pintores de la época. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las cristaleras, una visión natural y pura que sugiere algo fantasmal. A pesar de esa popularidad en alza murió en la miseria.

En Estados Unidos esta considerado como un maestro de la fotografía, y Francia lo vuelve a descubrir desde los años 80.

La Bibliothèque nationale de France (Paris) da una retrospectiva Atget desde el 27 de marzo hasta el primero de juilio del 2007.

Julia Margaret Cameron

Nace en Garden Reach, Calcuta, como Julia Margaret Pattle, de padre oficial en la Compañía East Indias y descendiente de aristócratas franceses, el 11 de Junio de 1815. Del año 1818 al 1834 se educa en Paris e Inglaterra. En la India conocerá a su marido, Charles Hay Cameron dueño de una gran plantación de té. Él, 20 años mayor que ella, le proporciona una vida más que desahogada. Así en 1848 se mudan a Inglaterra y en 1860 se establecen en la Isla de Wight con los Tennysons como vecinos, a los que fotografiará infinidad de veces. En 1863, su hija la regala una cámara de fotos, Cameron tiene 48 años de edad y aquí comienza su carrera fotográfica. Cameron era una aristócrata ociosa que encaja perfectamente en la sociedad de la Inglaterra victoriana, y en ese contexto tener de hobbie la fotografía era bastante exclusivo. Al año siguiente de su regalo obtiene lo que ella llama "su primer logro, su primera fotografía". Ese mismo año es elegida miembro de la Sociedad Fotográfica de Londres y Escocia

Hace un acuerdo con Colnaghi, que se ocupa de imprimir y vender fotografías y registra sus fotos en el "Fine Arts Registres of the Public Record Office", (entre 1854 y 1875). En 1864 expone en Colnaghi´s de Londres. En 1866 expone en la "Galería Francesa" de Londres y gana la medalla de oro de Berlín.

Se compra otra camara de Placas de 12×15 cm, lente focal de 30 s, trabaja con aperturas abiertas y exposiciones de 3 a 7 minutos. En 1868 expone en la "Galería Alemana de Londres" y Charles Darwin la contrata para que realice sus retratos.

En 1873 muere su hija. Al año siguiente empieza e escribir "Annals of my glass house" y realiza las fotografías para ilustrar las ediciones del poeta Tennyson del libro "Idylls of the king and other poems" con 12 fotografías de Cameron. En 1875 produce la segunda parte del libro de poemas en el mismo formato que el anterior y se muda a Ceylon. Muere en 1879 en este lugar.


SU OBRA
Se cree que Oscar Gustav Rejlander y Lewis Carroll la instruyeron en la fotografía, los dos fotográfos fotografiaron a Cameron, su familia y su casa en la isla de Wight. En 1863 Rejlander fue a la Isla de Wight a fotografiar al vecino Tennyson y parece ser que Cameron aprendió las técnicas básicas de él. También estaba en la Isla C. Jabez Hughes que escribió que "Cuando las mentes busquen expresar ideas morales y belleza religiosa empleasen el arte fotográfico, entonces podrían orgullecerse de este arte e izarlo." Esta visión concuerda totalmente con la forma de ver la fotografía de Cameron. La Literatura, el Renacimiento, la Pintura Pre-Rafaelíta y la Biblia influenciaron su obra. En una carta dirigida a su amigo Sir John Herschel; Cameron le explicó su intención de aliniar la fotografía con el arte, escribió: "mis aspiraciones son ennoblecer la fotografía y alzarla a la categoría de Arte, combinando la realidad con la poesía y la belleza ideal".[1] Creía que la fotografía era la forma para resucitar el arte sacro, para los victorianos el arte era una técnica, el arte fino era expresión pero no necesariamente ético, pero el arte alto era el arte sacro.

Por su posición social y económica, Cameron pudo mantenerse fiel a sus principios esteticos con más tenacidad que otros colegas. Transformó en su casa de campo, el depósito de carbón en cuarto oscuro y el gallinero en estudio.

Cameron repetía las copias una y otra vez, hasta que se sentía satisfecha del resultado. Jamás retocaba o ampliaba sus negativos: sacaba copias de contacto de sus enormes placas húmedas. Trabajaba convertida en una ermitaña de su profesión, descuidada al vestir, sucia en su propio trabajo (sus negativos llevan manchas y huellas dactilares) y apasionada en sus creaciones.

Se trasladó a la Isla de Wight con su familia para vivir cerca de su amigo el poeta Tennyson, allí organizó un verdadero cenáculo literário. La personalidad de Cameron es una mezcla de excentricidad, genio, instinto e inspiración. En sus retratos consigue captar la fuerza expresiva de sus modelos, con tanta maestría como podría hacerlo un pintor. Realizaba exposiciones de 7 segundos en placas de 30x40 cm. Su meta era reproducir la grandeza del hombre interior al mismo tiempo que los rasgos del hombre exterior, lográndolo, como se aprecia en su "retrato del Sir John Herschel". Este es un típico retrato masculino de Cameron, el cuerpo es reducido a casi solo la cabeza, sin ningún tipo de referencia externa, la cabeza se convierte en un icono que implica inteligencia, individualismo y por encima de todo genialidad. En cambio sus retratos femeninos los trata de forma diferente, estas resaltan la belleza, el ideal de belleza del Renacimiento, a veces con ayuda de complementos, como las alas de la fotografía "I Wait" que nos evocan a las pinturas de ángeles del Renacimiento.

Una de sus preocupaciones era realizar obras genuinas, captar la belleza ideal que emana del rostro de sus modelos. Sus retratos de primeros planos son en realidad primerísimos planos tal vez con una intención metafísica. Se ve en estos retratos de Cameron una clara influencia de una corriente de pensamiento muy de moda en la Inglaterra de la época que es la frenología, que sostiene que la inteligencia y el carácter de la persona está marcado en la forma de la cabeza, parece que en ello incide la obsesión por analizar los rostros, pero su intención última es profundizar hacia el interior.

Cameron también cultivó la fotografía alegórica academicista con obras como El beso de la paz de 1859, Ruega por nosotros, alegoría de la anunciación para el Ave María, o El aroma de los lirios, entre otras. Es esta producción la que le lleva a ser integrada en la corriente de la fotografía academicista.

TECNICA

os retratos de Cameron tienen un aspecto flou muy peculiar,Se cree que por azar descubrió una combinación de elementos técnicos que le dieron como resultado la falta de nitidez, lo que se convierte en su sello artístico, la búsqueda del efecto flou -un cierto desenfoque con intención. Es este aspecto flou lo que le da el caracter poetico a sus fotografías. De ahí que sea considerada uno de los antecedentes del pictorialismo fotográfico de finales del siglo XIX.

Sus fotografías tienen algo de religioso, de pictorialismo cristiano, como las pinturas de Rafael. La historia sagrada se funde con la poesía, como en las fotografías de sus "Madonnas", que transmiten la pureza, el niño dormiendo mientras su madre cuida...

Despreciaba la técnica y por ello utilizaba objetivos inadecuados para las placas utilizadas. Le era indiferente que las placas resultaran manchadas, arañadas. Con todo ello pretendía la obtención de unos efectos que alejaran la realidad de las imágenes captadas. Las fotografías estaban realizadas con un objetivo que no cubría el formato de las placas húmedas utilizadas por ella (20x25 y 30x40 cm) y estaban descuidadas, con las placas manchadas o arañadas; por ello los miembros de la "London Photographic Society" no la admitieron entre ellos. Los fotógrafos la criticaban porque consideraban la calidad de sus fotografías malas, ya que no aprovechaba las ventajas técnicas de la camara, como la nitided, pero para ella primaba antes lo estético a lo técnico, buscaba más la expresión poética que la realista, expresión que conseguía sin duda y por la que ha pasado a la historia de la fotografía.

Rechazaba la idea de que la cámara era un objeto para documentar en vez de para crear arte

Funcion de una camara reflex

La cámara y sus partes

Cada cámara, reducida a sus componentes más básicos, es simplemente una caja con una apertura con un fin de admitir luz y un dispositivo al fin de retener película. La forma del cuerpo y los aspectos activos, sin embargo, varían con tipos diferentes de cámaras.

A excepción de las cámaras de agujero (pinhole), todas las cámaras modernas tienen una lente montada sobre el hoyo por donde penetra la luz, cuyo fin es tomar cuadros lo más intensamente posible con menos luz. Un dispositivo mecánico llamado contraventana controla la cantidad de tiempo que la luz se admite en la cámara. Algunos obturadores son operadas a resorte; otros se regulan electrónicamente. El disparador del obturador es una palanca, o botón de estímulo que activa la misma.

Todas las cámaras tienen algún tipo de sistema de inspección u ocular: un sistema para el fotógrafo, para que pueda ver el campo de vista planeada por la lente. Hay tres tipos principales de oculares: el visor, lente de reflejo simple, y lente de reflejo doble. El más simple y más fácil de operar es el visor y el lente simple pequeño de las cámaras reflex. El visor es comúnmente un sistema simple de lente; iluminado desde el objeto y pasando mediante un visor al ojo y mediante una lente diferente a la película. El lente simple de las cámaras reflex tiene sistemas separados de visor e impresionador de película. Durante el encuadre, un espejo refleja la luz ascendente que entra en la cámara y mediante un prisma que vuelve la imagen al derecho. Cuando se toma un cuadro, los espejo se mueven hasta permiten que la luz impacte la película. El lente doble de las cámaras reflex posee dos espejos y dos de lentes, uno es el visor y el otro es para crear la imagen sobre la película. Las lentes se acoplan mecánicamente para estar en el foco simultáneamente.
El propósito del avance de película es desenrollar la película. A cada área individual de cuadro se la denomina marco. Dependiendo de la cámara, la película puede ser avanzada a mano, por un enrollador eléctrico, o por la cámara automáticamente después de cada exposición.
Las Lentes de Cámara

El propósito de una lente de cámara está transmitir rayos de luz en la cámara y los enfocarlos para formar una imagen intensa sobre la película. Con las cámaras más simples no se requiere ningún ajuste de enfoque manual. Todos los objetos, desde unos pies en la frente de la cámara a una gran distancia, se registrarán en una imagen razonablemente intensa. Las cámaras más avanzadas, sin embargo, tienen un control de enfoque que ajusta la lente para que los objetos a una distancia dada desde la cámara estén en el foco en la película.

Con algunas cámaras los focos se toman simplemente por estimación del fotógrafo de la distancia al objeto y colocando el enfoque en una escala en la cámara marcada en números o distancias. Con cámaras de telémetro el fotógrafo ajusta una aguja que se encuentra en la parte de arriba con respecto a otras dos fuera del objeto. Con cámaras reflex la lente se ajusta hasta que la imagen sobre la pantalla del ocular aparezca en el foco con respecto a un pequeño círculo.

Algunas cámaras se equipan con un sistema de microchip, que enfoca utilizando señales ópticas, infrarrojas, o ultrasónicas. El fotógrafo activa el sistema al poner una leve presión sobre el disparador, y centrar el objeto mediante el ocular. El sistema de la cámara mide la distancia al objeto y automáticamente ajusta consiguientemente la lente.
Tipos y propiedades de lentes.

El tipo más simple de lente es el menisco, un simple pedazo curvado de vidrio óptico o plástico moldeado. Todas las lentes sufren de aberraciones, o imperfecciones. Estas pueden ser su alcance y nitidez de imagen. La calidad mejora apreciablemente, al montar dos o más elementos de lente individuales como una unidad. Las lentes más complejas pueden tener una docena o más de tales elementos. En la mayoría de las lentes de buena calidad, estos elementos se revisten con una capa delgada del fluoruro de magnesio o alguna otra sustancia para reducir reflejos internos.

lente

Las lentes tienen longitudes focales fijas. La longitud focal de una lente es la distancia desde el centro óptico de la lente al plano (en este caso, la película) detrás de la cual la imagen se forma más intensamente cuando la lente se enfoca en un objeto distante. Un objeto distante se dice que esta en el infinito. La longitud focal de una lente se da a veces en pulgadas, pero usualmente se da en milímetros (mm) o centímetros (cm).

Para el trabajo fotográfico ordinario, las cámaras se equipan con una lente de longitud focal de "norma" o "normal" . Esta longitud es aproximadamente el valor de la diagonal del marco de la película. Las lentes normales no equiparan comúnmente a la diagonal de la película exactamente. Por ejemplo, en la diagonal de una norma 35 - mm el marco del negativo es 43.2 mm, pero las lentes con una longitud focal desde 38 mm a 58 mm son normales para este formato.

Algunas cámaras, incluyendo las 35 - mm tienen lentes intercambiables, las cámaras reflex (SLRS), permiten al fotógrafo cambiar las lentes. Aunque una lente de longitud focal normal puede llegar a ser satisfactoria en muchos casos, hay ocasiones en las que una lente de longitud focal más corta o más larga puede ser deseable.

Una lente que tiene una longitud focal considerablemente más corta que el de una lente normal se llama un objetivo gran angular. Provee una imagen menor del objeto pero cubre un campo de vista más amplio. Se usa frecuentemente cuando el fotógrafo quiere incluir más de la escena original en el cuadro pero es incapaz de ir más lejos del objeto, como, por ejemplo, cuando tomando un cuadro en una sala pequeña. Un objetivo gran angular puede dar también un cuadro con un efecto de perspectiva exagerada y de gran profundidad. Para cámaras de 35 - mm, los objetivos gran angular se encuentran disponibles con longitudes focales que van desde 35 mm a 15 mm.

Las lentes con una longitud focal que es considerablemente más larga que la normal se llaman de foco largo u objetivos de acercamiento (teleobjetivos). Técnicamente estos no son idénticos. Las lentes de foco largo son abultadas; los objetivos de acercamiento se construyen para ser más compactas. En la práctica, sin embargo, las lentes de foco largo de todos los tipos son indiscriminadamente llamadas telefoto. Tales lentes proveen una imagen más grande del objeto pero cubren un campo más estrecho de visión de lo que lo hacen las lentes de longitud focal más corta. Los objetivos de acercamiento pueden usarse para magnificar un objeto distante, por esto se usan frecuentemente en la fotografía de fauna silvestre. En el retrato, un objetivo de acercamiento intermedio puede minimizar distorsión de perspectiva, y en la fotografía de paisaje un objetivo de acercamiento puede aplanar una escena para lograr un efecto más bidimensional.

Con una lente convencional la longitud focal es fija, pero una lente de zoom provee al fotógrafo una gama continua de longitudes focales. Hay zoom de ángulo ancho, zoom telefoto, y zooms versátiles que pasan de ángulos anchos, longitudes focales normales, y la gama del telefoto.

Las macro y micro lentes estan especialmente diseñadas para tomar fotografías de aproximación de objetos. Las lentes ojo pescado son ultra anchas, son lentes angulares que dan una imagen de la escena deformada como si se encontrase en una "pecera".
La apertura de la lente.

Las cámaras ajustables se equipan con un diafragma de iris, un dispositivo ubicado en, o cerca la lente que consiste en una superposición de láminas delgadas que se pliegan juntas para crear un hoyo de tamaño continuamente variable. De esta manera la apertura, puede ajustarse para admitir más o menos luz según se requiera. El diafragma se marca comúnmente con una serie de símbolos llamados paradas, que son designadas por números-f (f-numbers), tal como f/5.6 o f/8. Los números-f expresan la relación entre longitud focal y la apertura. Un número más grande indica una menor apertura.

"Parar" o "cerrar una parada" es colocar el control de diafragma en la subsiguiente marca de parada de menor apertura, por ejemplo desde f/4 a f/5.6, o desde f/8 a f/11. Esto reduce la cantidad de luz admitida a la mitad.

"Abrir una parada" significa colocar el controlador del diafragma en la subsiguiente apertura más amplia: f/11 a f/8, o f/8 a f/5.6, por ejemplo. Esto duplica la cantidad de luz admitida.
La profundidad de campo.

La apertura de la lente no solamente controla la cantidad de luz que entra en la cámara, también afecta otro aspecto fundamental de la profundidad de fotografía de campo. La profundidad de campo es el rango en frente y detrás del enfoque objeto que incidirá en de los detalles que quedaran en la imagen final. Depende de la apertura de lente, la distancia enfocada, y la longitud focal de la lente. Una apertura pequeña de lente, una distancia grande entre la cámara y el objeto, y una longitud focal corta da como resultado una mayor profundidad de campo.

A veces los fotógrafos quieren tanta profundidad de campo como sea posible a fin del registrar objetos severamente claros desde las cercanías hasta la infinidad. En este caso se fijaría la apertura práctica más pequeña. En otras circunstancias se podría preferir una profundidad somera de campo para hacer que un objeto permanezca enfocado mientras el resto se encuentran sin definición y suaves. En este caso se usaría una apertura de lente amplia.
El obturador

El propósito del obturador es regular la extensión de tiempo que la luz penetra en la cámara durante una exposición. Las contraventanas vienen en diversos formatos.
Tipos de obturadores.

Un tipo básico de obturador que se encuentra en muchas cámaras simples de 35 mm se compone de láminas de superposición y se ubica entre los anteriores elementos detrás de la lente. Las láminas abren y cierran para admitir luz. Esta se llamar una hoja de entre lente o de contraventana. Un segundo tipo, se encuentra en cámaras de 35 mm de lentes intercambiables, es el obturador focal suspendido, ubicado en el dorso de la cámara simplemente en frente de la película. En este tipo de obturador, dos persianas opacas, o cortinas, barren el frente de la película. Las cortinas se ajustan para crear tajos de diversos anchos.

La mayoría de las cámaras proveen un método de velocidad regulable de obturador, por medios mecánicos o electrónicos. Las velocidades de obturador pueden oscilar desde un segundo a tan poco como 1/4.000 de un segundo. Una gama promedio de escala velocidad de obturador para una cámara 35 mm SLR podría ser tal como se como se indica a continuación: 1, 1/2, 1/4, 1/8, 1/15, 1/30, 1/60, 1/125, 1/500, 1/1,000. Note que cada marca es aproximadamente el doble de rápida que la anterior y la mitad de rápida que la siguiente.

Muchas cámaras también tienen o una T (para el tiempo) o B (para la bombilla o el memorial), que permite al fotógrafo hacer exposiciones más largas de las que son provistas por la escala del obturador. Este aspecto es útil para tomar fotografías en la oscuridad y crear efectos especiales. Muchas cámaras se equipan también con un cronómetro. Los fotógrafos pueden poner la cámara sobre un trípode u otro apoyo, activar el cronómetro, el cual da varios segundos para ponerse a sí mismos en el cuadro antes que el obturador se active.
Velocidad y movimiento del obturador.

La velocidad del obturador determina cuan efectivamente un objeto móvil puede ser "parado" esto es, cuan correctamente puede reproducirse sin entorpecer o distorsionar la imagen final. Con una velocidad de obturador rápida, el obturador se abre brevemente y el objeto móvil tiene poco tiempo para cambiar su posición antes de la exposición sea completa. Por otra parte con una velocidad de obturador lenta, el obturador queda abierta un tiempo relativamente largo. Así con una velocidad de obturador más rápida, un objeto móvil aparecerá más definido sobre la imagen final, con una velocidad de obturador más lenta, el objeto aparecerá más borroso.

Este principio también se mantiene para el movimiento de cámara. Con una velocidad de obturador más rápida, será menos perceptible cualquier sacudida de la cámara en la fotografía final. Esta es particularmente conveniente cuando se esta sosteniendo una cámara mientras se esta tomando un cuadro con un objetivo de acercamiento. La lente magnifica el efecto de movimiento de la cámara, si la cámara se mueve ligeramente cuando el cuadro se esta tomando, la imagen final aparecerá borrosa. Para evitar esto, muchos fotógrafos seleccionan una velocidad de obturador más lenta que 1/125 de segundo para tomar fotografías con la cámara en la mano, aunque algunos fotógrafos tienen éxito con una velocidad de 1/60 o 1/30 de segundo.

El obturador de la cámara debe parar la velocidad evidente del objeto o la velocidad a que su imagen mueve a través de la película, sin considerar el movimiento real de objeto mediante el espacio. Factores tales como la distancia, dirección de movimiento, y la longitud focal de la lente debe se tomados en consideración. Generalmente, el objeto móvil más cercano está en las cámaras, aumentando su movimiento. Así, si se desea conseguir una imagen nítida, la mayoría de los fotógrafos evitan un acercamiento extremo de los objetos en movimiento.

En las imágenes en movimiento, la longitud focal también juega un papel importante en la imagen final. Una lente con una longitud focal larga magnificará la imagen y su movimiento aparente. El movimiento aparente es más grande cuando el objeto mueve en ángulos rectos a través de la línea de visión, y es menor cuando el objeto mueve directamente hacia la cámara o se aleja de ella. La mayoría de las veces los fotógrafos desean de parar todos de movimiento para una imagen clara y nítida. Sin embargo, a veces, usan velocidades de obturador más lentas para producir una expresión de movimiento.

fuente : www.textoscientificos.com/fotografia/camara

Como tomarle una foto a la luna

con una abertura de diafragma en F22 y a una velocidad de 1/4, con una cámara reflex y disparando 4 veces seguidas con el flash.

O también se puede obtener una fotografía de la luna, viendo con el lente de la cámara a través de un telescopio que apunte a la luna.

Misha Gordin

Misha Gordin nace en Rusia en 1946. En 1974 tras años de descontentos con las autoridades comunistas, deja Rusia para irse a Estados Unidos. Misha Gordin basa su trabajo fotográfico en el concepto, su obra es básicamente una obra conceptual que requiere un laborioso proceso desde la imagen inicial a la imagen final. Se parte de una idea, a continuación, un dibujo, montaje de los componentes, los disparos y el estudio de los materiales, seguida por la meticulosa labor cuarto del oscuro. Es por lo tanto un trabajo artesanal que le llega a ocupar horas, días e incluso semanas con algunas de sus obras

Comentrio personal
el cuerpo humano como elemento base de su fotografía, usa mucho las secuencias y lo repetitivo, el blanco y negro le da un toque de seriedad y lo hace mas estetico, simples, estilizadas ,d e igual manera manipula la imagen. pero es simplemente bella

Carlos Jurado

Nace en 1927 en el estado de Chiapas.En 1973 inicia se actividad fotográfica y ocupa cargos de dirección en la Universidad Veracruzana , donde establece, por primera vez en México la carrera de Fotografía a nivel de Licenciatura..Actualmente trabaja de manera independiente en su taller.Carlos Jurado considera la fotografía como el producto de un acto mágico. Trabaja principalmente con cámaras estenopeicas (pinhole). Con este sistema trata de obtener anbientes y atmósferas sugerentes poco comunes.a realizado también obras utilizando sistemas antiguos como la goma bicromatada, la cianotipia, papel sepia ,etc. Carlos Jurado construye sus propias cámaras, así como algunos equipos necesarios para su producción.

Comentario personal
iluminacion que te lleva a otros espacios, a otros tiempos, creando una atmosfera bizarra, haciendo de su fotografia algo unico.

Auto retrato

Humpty Dumpty se sentó en un muro.
Humpty Dumpty cayó y pegó duro.
Todos los caballos y hombres del rey
No pudieron unir a Humpty otra vez.

fragíl, bulnerable, caprichosa, madura en algunos aspectos, timida en otros, fuerte, debíl, feliz, triste, mi vida se maneja en muchos matizes, problemas como todos tengo, probablemente sean menos fuertes que el de otras personas, pero al final de cuentas son problemas... durante el camino de mi vida he aprendido que lo que no mata fuerte te hace, este año en especial he tenido la fortuna de concoer personas nuevas, aprendizajes nuevos, pero asi como llegan, otros se van, vacio es lo que dejan, sentimientos encontrados hay, y como humpty dumpt empiezo a caer, al vacio, fragíl... miles de manos abajo me esperan para armortiguar la caida y es asi como me doy cuenta que no estoy sola, que siempre hay alguien que me cuida y me protege, y esa es mi familia, mis amigos y también mis enemigos...

VACIO NO ES!...

Proxemia

¿Que es la proxemia?
El estudio del espacio personal necesario para mantener la buena convivencia en el transcurso de todo tipo de travesías, viajes y expediciones es sumamente importante para mantener la salud mental de los participantes y la buena convivencia, además de evitar lo que se conoce como agresión intraespecífica; los líderes de equipos y grupos expedicionarios, guías de montaña, etc. deben conocer acerca de este problema y de qué manera manejarlo cuando aparezca, particularmente durante el transcurso de actividades de aventura de larga duración.

La proxemia es precisamente una disciplina que estudia la relación entre el espacio personal y las características de cada individuo, y sirve para conocer y entender las necesidades de cad auno en diverso tipo de situaciones: en el camarote de una embarcación, en el asiento de un avión, en un búnker o en un refugio contra bombardeos, que por razones bastante obvias constituyen espacios muy reducidos, hay que proporcionarle a los ocupantes ciertos elementos que le generen una cierta sensación de intimidad, respetando los espacios personales.

De no tenerse en cuenta estos factores, los problemas psicológicos, la falta de rendimiento - en el caso de las tripulaciones - y en un grado extremo, hasta la violencia y el amotinamiento pueden aparecer.

Para la realizacion de mejores fotografías

Filtros o lentillas para objetivos: Dan efectos a las imágenes.

Skylight: Reduce la tonalidad azul en dias nublados o cuando hay sombra.
Polarizador: Quitan los reflejos de las superficies.
Filtros ND (densidad neutra): Reducen la cantidad de luz que entran por el lente de la cámara.
Filtros de color: Permite cambiar de tonalidad a las fotos.
Filtro azul graduado: Para tener un cielo más azul en las imágenes.
Especializados: No son tan necesarios como los demás, pero generan efectos especiales como hacer que los destellos de luz se vean como estrellas, balancear la piel en los retratos, darle un aspecto etéreo a las fotos.

Tipos de película

Negativo en blanco y negro: Se obtiene una imagen en tonos grises inversa de la original.
Negativo en color: Para tener colores somplementarios a los originales.
Diapositivas: b/n (casi no se usa pero los tonos grises y negros son mas intensos), color (mismo fin que las originales) e infrarrojas (fines militares).

¿ Como funciona el cerebro?

Organización general del cerebro
La corteza cerebral está dividida en dos hemisferios unidos por el cuerpo calloso que permite la comunicación entre los mismos. El hemisferio izquierdo es el dominante y el especialista en funciones como el habla, la lógica y las matemáticas. Por el contrario, el hemisferio derecho se dedica a funciones no verbales, espaciales, y al mundo de las emociones.

Funciones de la corteza cerebral
El cerebro tiene fundamentalmente tres funciones:

* Función receptora, con distintas áreas que recogen todas las sensaciones o estímulos que llegan a nuestro organismo.
* Función efectora: origina todos nuestros movimientos como respuesta a los estímulos anteriormente recibidos.
* Funciones propias de la personalidad: donde podemos abarcar áreas del lenguaje, memoria, emoción, etc.